El 2020 llega a su fin, un año devastador en todos los sentidos, sobre todo para el cine. Ante el cierre de las salas, la interminable posposición de estrenos y un mal augurio para la industria en general, el séptimo arte se enfrenta a uno de los más grandes retos de su historia. Pero, a pesar de todo, las películas continuaron fluyendo durante todo este tiempo. El streaming, por supuesto, ha sido uno de los principales responsables, y vaya que hemos podido ver grandes cintas en los últimos meses. Por eso, para continuar con la tradición de este blog, aquí la lista de las mejores películas del 2020:
10. El Hombre Invisible
- Director: Leigh Whanell
- Países: Estados Unidos/Australia
El Hombre Invisible mezcla de forma muy convincente el terror, la ciencia ficción y el comentario social en una película que nos atrapa desde el comienzo. La ausencia en pantalla de la amenaza física crea una sensación de incertidumbre todavía más grande. Y aunque nos toparemos con los clásicos indicios de que algo que no vemos está ahí, la trama apunta hacia algo más trascendental que los sustos baratos.
¿Por qué resulta tan difícil creer que una mujer es la víctima del constante abuso masculino? La sociedad machista en la que vivimos es la respuesta. Y si lo sabemos, ¿por qué no hacemos nada al respecto? Quizá porque este tipo de hombres ha podido pasar desapercibido todo esto tiempo ante la mirada de todos acosando y abusando por doquier. En la cinta en cuestión, esta triste realidad se integra de forma muy ingeniosa con la premisa de uno de los monstruos más famosos del cine: la del hombre invisible.
 |
| Imagen: Universal Pictures, Blumhouse Productions, Goalpost Pictures, Nervous Tick Productions |
9. Rapera a los 40
- Directora: Radha Blank
- País: Estados Unidos
Ganadora del Premio de Dirección en la pasada edición del Festival de Sundance, Blank emerge como una nueva e interesante voz que utiliza sus propias vivencias para concebir una comedia sincera y sumamente entretenida. En ella, la artista exhibe un talento muy especial para que algo similar a una autobiografía no se convierta en un ejercicio de egocentrismo puro.
En Rapera a los 40, la directora se basa en su época como dramaturga navegando el complicado circuito teatral de Nueva York, dominado por los blancos y una falsa conciencia social y racial. La cinta, posiblemente, representa la culminación de un largo viacrucis profesional para Blank; pero también un recordatorio de que nunca es tarde para alcanzar el éxito. Y con todo lo que ha logrado con ella, la metanarrativa adquiere todavía un valor mayor.
La cinta emplea una variedad de recursos narrativos, desde el rompimiento de la cuarta pared hasta la inclusión de entrevistas estilo documental en forma de insertos, para conectar la ficción con la realidad de Blank. La difuminación de esta línea es lo que hace que su obra sea tan importante para el contexto actual en el que surge.
 |
| Imagen: New Slate Ventures, Hillman Grad Productions, Endeavor Content, Netflix |
7. Ya No Estoy Aquí
- Director: Fernando Frías de la Parra
- Países: México/Estados Unidos
En medio de la pobreza, el crimen organizado y la eterna promesa de cambio proveniente de políticos cuestionados hasta el cansancio, una tribu urbana vibraba en Monterrey. Los cholombianos, caracterizados en su momento por su obsesión por la cumbia rebajada y su inconfundible vestimenta inspirada en los cholos, son el objeto de estudio de Ya No Estoy Aquí, cinta que examina a detalle esta subcultura y, especialmente, a uno de sus miembros, un chico marcado por la violencia y la indiferencia social. Con gran respeto, esta historia se propone a desafiar los estereotipos que llevaron a la desaparición a esta singular expresión.
Ya No Estoy Aquí puede ser tan tierna como cruda. Con una tremenda vocación, Frías de la Parra realiza una valiosa observación cultural que merece toda la atención y reconocimiento. Tejiendo un drama social enclavado en la marginación a través de un estudio de campo, el director nos advierte sobre la imposición cultural y la estigmatización injustificada.
 |
| Imagen: Panorama Global, PPW Films, Netflix |
6. Jojo Rabbit
- Director: Taika Waititi
- Países: Estados Unidos/República Checa/Nueva Zelanda
Un niño nazi profundamente comprometido con el partido y con un amigo imaginario moldeado a partir de Adolf Hitler podría sonar a demasiado, sobre todo para quienes vivieron de alguna forma u otra el brutal embate del nacionalsocialismo; sin embargo, el director neozelandés, más cotizado que nunca, consigue que su arriesgada idea no se contagie del mal gusto o de aquella a veces ridícula necesidad de mantenerse ajeno a los temas delicados.
Waititi pudo haber ser criticado por desplegar este tipo de relato en un contexto con cicatrices que nunca terminarán de cerrar, aun cuando este no duda en darle una contundente resolución a los personajes de su obra, incluidos los villanos; pero nadie puede negar que el riesgo que ha tomado ha rendido sus frutos. Al final, Waititi ha salido avante al mostrarnos esa diminuta belleza contenida en el terror máximo, la misma a la que Rainer Maria Rilke hace referencia.
 |
| Imagen: Fox Searchlight Pictures, TSG Entertainment, Defender Films, Piki Films |
5. El Faro
- Director: Robert Eggers
- Países: Estados Unidos/Canadá
Con El Faro, Robert Eggers regresa para contar una nueva e inquietante historia en la que los protagonistas descienden con paso seguro hacia la insania, no sin antes dejar al descubierto sus inseguridades, temores y hasta sus verdaderas identidades.
En esta cinta, la locura es un elemento que destaca no solo por la forma en la que afecta a este par de hombres dañados, sino por la manera en la que el espectador debe atribuirla. ¿A quién creerle entonces? ¿A un viejo horrible y pedante que se niega a compartir sus conocimientos o a un joven con un gran secreto y al borde del colapso? A veces así se siente el mundo, y no hay manera de escapar.
 |
| Imagen: A24, Regency Enterprises, RT Features |
4. Sin Señas Particulares
- Directora: Fernanda Valadez
- Países: México/España
Con un brutal relato sobre una madre en búsqueda de su hijo, sin saber si está vivo o muerto, la mexicana Fernanda Valadez hace su debut en largo. Sin Señas Particulares es un necesario recordatorio de la interminable propagación de la violencia en el país, la cual resulta la única salida posible para aquellos que, tristemente, se ven oprimidos por ella.
Ganadora en los festivales de Sundance, Morelia y San Sebastián, la cinta emerge como una de las más impactantes en años en el cine mexicano.
 |
| Imagen: Corpulenta |
3. Retablo
- Director: Álvaro Delgado Aparicio
- País: Perú
Retablo es trágica y dolorosa, pero también sumamente conmovedora. Más allá de una triste historia de violento rechazo, se encuentra otra muy sincera sobre el amor entre padre e hijo.
Filmada en Ayacucho, sur del Perú, y hablada casi en su totalidad en quechua, la película ofrece una mirada sin compromiso al desenvolvimiento ordinario de los campesinos locales, quienes ven en Segundo y su hijo una inadmisible disrupción al statu quo. Esta afrenta es la que pone a prueba a la familia, cuyos integrantes se debaten entre el amor que los ha unido todo este tiempo y la ideología que se ha afincado en ellos desde siempre.
La cinta señala las dificultades de salir adelante en un entorno en el que, además de la pobreza, las mismas reglas implícitas impiden al individuo desarrollarse plenamente. Así, este terreno emerge como uno sumamente fértil para la homofobia, el machismo y la violencia, males que terminan por apoderarse de la cotidianidad.
 |
| Imagen: Siri Producciones, Catch of the Day Films, Summerhill Lights, DHF |
3. Mank
- Director: David Fincher
- País: Estados Unidos
El filme puede ser visto como un "detrás de cámaras" de Ciudadano Kane, la obra más grande del cine dependiendo de a quién se le pregunte.
Una película en blanco y negro sobre la Edad de Oro de Hollywood vaya que sonaba arriesgada para esta época; por ello, las salas y habitaciones de los espectadores emergían como el único lugar posible para distribuir lo nuevo del aclamado realizador. Con Mank, Fincher entrega su mejor trabajo desde Red Social, y se posiciona para estar presente en la próxima entrega de los Óscar.
Mank, inesperadamente, decide alejarse del famoso conflicto entre Welles y Mankiewciz por el crédito del guion de Ciudadano Kane para enfocarse en un tema más apremiante y en sintonía con nuestros tiempos. Cuando el protagonista exclama que "un escritor puede ser más peligroso que un partidario sin integridad", las preocupaciones sobre aquellas narrativas enclavadas en las llamadas fake news nos vienen a la mente.
Al final, el arma más efectiva para contrarrestarlas parece ser, igualmente, el puño y letra. Con su obra maestra, Mank deja un legado que cuestiona el poder desde el mismo poder, no por nada su productor le pide encarecidamente que escriba mucho y apunte bajo. La ética profesional nunca podrá ser sobrevalorada.
 |
| Imagen: Netflix |
2. Never Rarely Sometimes Always
- Directora: Eliza Hittman
- Países: Estados Unidos/Reino Unido
¿Qué pasa cuando una jovencita simplemente decide que no está preparada para ser madre? ¿Cómo terminar con el embarazo en medio de un entorno conservador y sin ninguna oportunidad a la mano? En este filme, nos topamos de lleno con una desconsoladora historia que vuelve a poner sobre la mesa las distintas dificultades que representan el acceder a un aborto.
Never Rarely Sometimes Always es una mirada sin compromiso al suplicio que puede significar la interrupción del embarazo en una sociedad dominada por el hombre. Eliza Hittman, directora y guionista, se vale del pequeño mundo de Autumn para desarrollar un discurso que deja al descubierto el largo trecho que todavía queda por recorrer en cuanto a la legislación del aborto, sin mencionar la falta de empatía que todavía existe alrededor del tema.
La cinta exhibe las dificultades logísticas de someterse a este procedimiento, algo inconcebible en pleno siglo XXI. Pero este relato también guarda en su interior una demostración de comprensión y apoyo total. Mediante la relación entre Autumn y Skylar, Hittman ofrece un pequeño atisbo de esperanza.
 |
| Imagen: BBC Films, Pastel, Tango Entertainment, Mutressa Movies, Cinereach |
1. Retrato de una Mujer en Llamas
- Directora: Céline Sciamma
- País: Francia
Retrato de una Mujer en Llamas es un portento cinematográfico denominado por Céline Sciamma, la directora, como un "manifiesto sobre la mirada femenina". Estas palabras, por supuesto, son respaldadas con una exquisita obra que nos invita a poner suma atención al entorno en el que se desenvuelven las mujeres protagonistas.
Merlant y Haenel convencen con un par de monumentales actuaciones que logran su cometido al despertar en el espectador una sentida preocupación por el destino final de la intensa relación que surge en apenas unos días de estar juntas. Al principio, ambas proyectan un carácter que no puede ser más distinto uno del otro; pero conforme la trama se desarrolla, Sciamma aprovecha al máximo la conexión física de ambas actrices para mostrar el surgimiento de una intimidad insólita.
En el pequeño microcosmos que han creado apartándose de todo, las amantes han encontrado un rincón en el que pueden ser realmente ellas sin ningún tipo de atadura social. Al final, Sciamma deja ver que su verdadero propósito es hacer una declaración progresista sin tener que recurrir a ningún tipo de recurso explícito o grandilocuente. La verdadera fuerza de su relato está en el vínculo pasional que existe entre estas mujeres, algo poco común tanto en el cine como en la vida real.
 |
| Imagen: Lilies Films |
Comentarios
Publicar un comentario